La mente, el cuerpo, la ciencia y la tecnología son sinónimos de arte para la artista estadounidense Amy Karle, quien con sus procesos creativos ha creado una nueva categoría: el bioarte. Múltiples veces laureada por instituciones como la National Gallery Of Art y con la Distinción Presidencial, Karle, quien está como artista residente, se adentra en el terreno de la biología, el cuerpo y la moda para expresar la complejidad del ser humano. Eso es lo que ha creado particularmente con sus esculturas y vestidos, en los que ha usado herramientas tecnológicas como la impresora 3D para expresar una nueva forma de hacer diseño, arte y por supuesto, moda conceptual.
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¿De dónde nace tu interés por el cuerpo humano?
Nuestro cuerpo es la manera de vivir en este mundo. Todo lo hacemos a través de él y es la manera en que conocemos todo. Estoy inspirada en lo que significa ser humano y todos sus aspectos. Eso es fascinante para mí. Crear mi arte es una forma de explorar qué significa ser humano y comunicar que todos pasamos por lo mismo.
¿Cómo usaste la anatomía humana para crear objetos, particularmente vestidos?
Como siempre he estado fascinada por la anatomía humana, estudié especies en la Academia de Ciencias de California, también dibujos vintage anatómicos, radiografías, modelos anatómicos, y usé esto para crear esculturas y arte que uno pudiera usar. Para mí, la moda es una oportunidad de cambiar lo que sentimos sobre nosotros. Nuestra identidad. A su vez, quería referirme a lo que está adentro de todos nosotros y traerlo al exterior en forma de vestido. Lo que tenemos en común. Órganos y todo lo que vivimos: la vida, la muerte, el dolor, etc.
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¿Cuáles son las connotaciones de hacer un vestido que hable de la anatomía humana?
Quiero invertir las convenciones de belleza y cuerpo. Esta serie de vestidos muestra lo difícil que es realmente mirar cómo todos tenemos cosas en común. De esta manera nos conectamos también en lo emocional. Quería resaltar la belleza y complejidad, así como la perfección, de estos sistemas.
¿Qué expresa un vestido en particular?
Siempre los he dibujado. Para mí el arte y el diseño están en una continuidad donde el primero es más personal: da sentido a la existencia. El diseño es más global: ayuda a otros a darle sentido a su mundo. La moda es las dos cosas al mismo tiempo. Por ejemplo, el vestido “Respira”, en esta colección, tiene un significado especial para mí. Basado en los pulmones, está inspirado en Lisa Lannone, una amiga de infancia que tiene hipertensión pulmonar, una enfermedad terminal. Ella es fenomenal y sigue luchando. Quería crear una pieza que expresara su espíritu y su posición de lucha en la lucha contra esta enfermedad.
¿Cómo concretas las ideas para tus vestidos?
Comienzo a dibujarlos. Ahora, he experimentado con diferentes aproximaciones para crear vestidos en el ambiente 3D y trabajo con ellos desde ahí. Cada diseño tiene una aproximación diferente. Escojo los materiales que quiero basada en el diseño original. Por ejemplo, con el vestido “Respira”, no sabía que saldría tan dimensional, hasta que comencé a cortarlo con el láser y ver sus piezas por separado. Quedó como si tuviera plumas. Por supuesto, en el proceso aplico el patronaje tradicional, la sastrería y técnicas de confección para que queden perfectos en ajuste y ejecución. Una vez que el vestido está diseñado correctamente en estos aspectos, la idea es sacarlo del computador y hacerlo real. De esta manera, todo va a la impresora 3D , que convierte todo en patrones que pueden ser cortados en láser y lo hace en una variedad inmensa de materiales. Esto me permite hacer piezas que no podría crear en otros materiales.
¿Cómo es que la impresión 3D ha sido una parte vital de tu trabajo?
Veo dos maneras principales de aproximarse a las nuevas tecnologías: fusionar técnicas tradicionales e ideas antiguas con nuevas herramientas para crear algo nuevo. La otra es aprender tanto de la herramienta, que tu cerebro comienza a funcionar de manera diferente y vienes con nuevas ideas y piezas por ese proceso. Amo las nuevas formas de pensar y las nuevas estéticas que surgen al aprender nuevas herramientas. Estoy particularmente atraída hacia herramientas que me ayudan a crear piezas que no hubiese logrado por otro método. Por ejemplo, el Control Numérico Computarizado (CNC), los cortadores de láser y la impresora 3D me permiten pasar de lo digital a lo tangible.
¿Cómo eliges los materiales con los que trabajas?
Usualmente elijo basado en los requerimientos del concepto. A veces estos son los que inspiran el mismo. Ahora bien, en el proceso de crear y desarrollar un proyecto, los materiales, concepto y estética, se complementan los unos a los otros. Como la vida en un cuerpo, los materiales son la forma vital de una pieza y contribuyen en cómo se presenta esta hacia el mundo.
La mano esquelética creada con células
Amy Karle también ha hecho arte la biología molecular. Su “Reliquia Regenerativa” (2016) es una estructura biodegradable hecha con células madre, sembradas para formar tejidos y mineralizadas en hueso. Allí quiso expresar cómo se forma la vida desde su origen. Asimismo, se inspiró en las prótesis que hizo para niños con el voluntariado “Habilita tu futuro” (E-nable) y Cyborgs Superhéroes.
Usó células madre de un donante adulto vivo y creó un ambiente propicio para que estas se convirtieran en hueso y así tener un material apto para la impresión 3D. La estructura fue trasladada a un laboratorio de organogénesis futurista. Para lograr su objetivo, trabajó con un bio-nano científico y un investigador de materiales para formar un hidrogel personalizado que materializó el proyecto, que también requirió un software nuevo y una computadora.
MWN